Arte Sostenible

Las esculturas de basura de Aurora Robson

Las instalaciones y esculturas de Aurora Robson están realizadas con envases de plástico encontrados en la basura que la artista corta y pinta de forma individualizada en función de su grosor o su forma. Estos fragmentos de plástico son posteriormente aerografiados con tintes no tóxicos y unidos entre sí sin usar pegamento, creando esculturas de formas orgánicas que a veces recuerdan a criaturas abisales, plantas o microorganismos…

Aurora Robson lleva más de veinte años trabajando con basura y desechos, pero es en su obra más reciente donde muestra un trabajo más complejo, intrincado, y sorprendente, llegando a usar en alguna de sus instalaciones más de 20000 botellas de plástico. ”Me gusta el reto de trabajar con basura. Es una experiencia totalmente diferente a la de ir a la tienda de productos de bellas artes y elegir los materiales con los que quieres trabajar”.

Sus complejas y delicadas instalaciones atraen y repelen por igual. Las llamativas formas y colores de estas esculturas atraen la atención del espectador, pero una vez éste es consciente del material con el que están hechas, ese interés inicial se convierte en rechazo. Precisamente esa es la reacción que ella espera del público que contempla su obra.

Algunos objetos de plástico y en particular algunos envases son usados solo un momento, a veces tan solo unos segundos, no son biodegradables y pueden tardar miles de años en desaparecer. Aunque el trabajo de Aurora Robson es más sugerente que dogmático, la artista quiere que su obra sirva para ayudar a la gente a reconocer el poder que tienen como consumidores y como ciudadanos; concienciar sobre el uso y abuso de estos envases de plástico.

En ocasiones la artista también realiza instalaciones por encargo para grandes empresas multinacionales que quieren concienciar a sus propios trabajadores y que ven de esta manera cómo la basura generada por su actividad es convertida en impresionantes obras de arte. ”Me siento más cómoda transformando que produciendo… No creo que el planeta necesite más objetos, ni siquiera si son obras de arte”

Pero Aurora Robson no es solo una artista, es también una activista medioambiental fundadora del Proyecto Vortex; un colectivo internacional de artistas, diseñadores y arquitectos que trabajan con los desechos plásticos obtenidos del “Trash Vortex” la enorme isla artificial formada en el océano pacífico por toneladas de plástico y basura arrastradas por las corrientes marinas. Más que reciclar, la finalidad de este colectivo es interrumpir el flujo del plástico en la basura, de forma que esos envases no vuelvan a parar a la basura y no necesiten ser reciclados mediante costosos procedimientos.

“El arte refleja unos valores, y en este momento estos valores tienen que cambiar. El arte es una forma de prever el futuro, y los artistas deberían ser visionarios. De lo contrario el arte no es más que una lujosa frivolidad”

Aurora Robson, A Practice

Más información:
Página web de Aurora Robson: www.aurorarobson.com

El jardin encendido

El jardín encendido es una intervención que el artista Alfredo Omaña llevó a cabo en el hall de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de León.
El jardín encendido forma parte del proyecto El Hall Transformado; un proyecto que comisariado por Roberto Castrillo, interviene cada año el hall de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de León convirtiéndolo durante un mes en un interesante contenedor de propuestas artísticas.

Para esta intervención el artista Alfredo Omaña cubrió el hall con un manto de césped natural de unos 300 m2 sobre el que escribió la palabra NO con la propia hierba cortada. La instalación estaba acompañada por una “banda sonora” con cantos de diferentes pájaros como el ruiseñor, la alondra o el mirlo.

Según el propio artista “formalmente lo que se ha hecho es cubrir con hierba todo el suelo del hall, y ya que la particularidad de este espacio permite contemplar y recorrer perimetralmente el trabajo desde los pisos superiores, nos lleva a tener una perspectiva aérea o vista de pájaro del conjunto y es entonces cuando podemos ver que en el centro de la instalación aparece escrita con hierba segada la palabra ON. Este recorrido perimetral hace que dependiendo del lugar en el que te sitúes puedes leer ON o NO”

“La introducción en el interior de un edificio arquitectónico concebido como abstracción funcionalista de un elemento material como el césped, ajeno a su lógica estructural y operativa y asociado cotidianamente con el perímetro exterior a sus cerramientos, modifica sustancialmente los paradigmas perceptivos y las respuestas emocionales proyectadas hacia el espacio representado en su estado habitual”, explica Roberto Castrillo

“La arquitectura se vuelve efímeramente transparente, eliminando la contraposición entre espacio interior y espacio exterior. El aislamiento proporcionado por los cerramientos arquitectónicos queda subvertido y el espacio de contemplación que suele ser el paisaje pasa a formar parte del discurso interno del edificio”.

Un discurso cargado de contenido poético.

Una naturaleza en lucha por recuperar su terreno más allá de los límites establecidos.

Página web de Alfredo Omaña: www.alomana.blogspot.com

El jardín encendido de Alfredo Omaña

El artista Alfredo Omaña quiere agradecer la colaboración de las siguientes personas en la realización de esta intervención: el comisario del proyecto “El hall Transformado” Roberto Castrillo, el grupo de alumnos de historia del arte: Jairo Fernández Estrada, Alba Martín Pérez, Sonia Martínez Fernández, Sylvia Irais Salgado Castañeda, Carlos González Iscar, Che Lu-Quing y María Joao Patricio Martinho autora de las fotografías. Los Profesores Joaquín García Nistal, Vanesa Jimeno Guerra. La Decana de la Facultad de Filosofía y Letras, María Victoria Herráez Ortega. La universidad de León.

vía El jardin encendido : Arte Sostenible.

Visita al MNAC

Ayer finalizó el curso de Museología y Gestión de Museos que hemos impartido en el centro de cultura popular La Violeta de Barcelona. Una de las actividades de este curso consistió en una visita guiada a las zonas de almacén del MNAC donde pudimos comprobar la ingente cantidad de obras en reserva de este museo, y los criterios para su almacenaje, conservación y exhibición.

Os dejo aquí una foto del grupo con Victoria, Belén, Mireia, Silvia, Sergi, Paula, Carla, Jaime y Alfredo.

Germinaciones, diálogos sobre arte y ecología

El próximo 18 de abril comienza el taller Germinaciones, diálogos sobre arte y ecología. Se desarrollará en la Facultad de Bellas Artes de la UPV y en el Jardín Botánico de Valencia.

Durante 3 días tendrás la oportunidad de dialogar junto a Jose Albelda, Chiara Sgaramella, Maite Cháfer, José Luis Porcuna, Isabel Mateu, Tonia Raquejo, Jose María Parreño, Pilar Crespo, Sara Vilar y participar en el taller Creativo “Procesos de creación en el paisaje a partir de la colaboración con la comunidad biótica” que impartirá Lucía Loren.

Inscripciones online hasta el 17 de abril en: www.cfp.upv.es

Permafrost – Danger Levels

El permafrost es la capa de hielo permanente que cubre los niveles superficiales de las regiones mas frías del planeta, como la extensa Siberia o el Norte de Canadá. Como consecuencia del cambio climático y el calentamiento terrestre, el permafrost esta empezando a derretirse. El deshielo gradual de esta eterna capa de agua solidificada empieza a sembrar el pánico entre los miembros de la comunidad científica, ya que su consecuente evaporación implicaría la liberación de enormes cantidades de metano antes sepultadas bajo el hielo, que acelerarían el cambio climático de forma drástica. La desaparición del permafrost, provocada por el incremento de las temperaturas terrestres, permitirá que millones de toneladas de un gas que calienta la Tierra 23 veces más que la misma masa de CO2, vayan a ser catapultadas a la atmósfera.

Permafrost es una acción artística que protesta contra la asfixia y el desgaste que cada día experimenta la biodiversidad terrestre, en un mundo configurado por metrópolis ostentosas, en las que, día a día, los diagnósticos de enfermedades respiratorias aumentan de forma vertiginosa. La contaminación atmosférica en las grandes ciudades sigue creciendo, mientras el permafrost se debilita cada vez mas, poniendo en riesgo la supervivencia de la humanidad. La desaparición de este escudo de hielo protector, desencadenaría un proceso imparable que podría culminar, en menos de dos décadas, en la pervivencia de una atmósfera irrespirable.

Esta apatía inamovible del hombre, que trivializa los problemas medioambientales de nuestro mundo, va pavimentando, poco a poco, nuestro camino hacia la distopía, y hacia la perdida de nuestra memoria biológica. En este nuevo mundo, la mascarilla se convierte en un complemento requerido para el día a día, una necesidad que ha de conciliarse con la propia existencia. Los grandes acontecimientos artísticos, exposiciones, conciertos u óperas, se transforman en bailes de mascaras, donde los asistentes se aíslan del aire envenenado, desposeídos de su entorno y su expresividad, y dejan atrás el ultimo atisbo de naturalidad.

La colección de fotografía Permafrost, resume tres epicentros artísticos de Madrid, como es la feria anual de Arte Contemporáneo: ARCO, el Museo Reina Sofía y la Galería Soledad Lorenzo, clausurada en 2012. Las imágenes reflejan el estado de decadencia conceptual ante un mundo desnitrificado.

Permafrost del artista Hönevo

Más información:
Hönevo.com
Blog de Hönevo

vía Permafrost : Arte Sostenible.

Alameda Llum

Alameda Llum es una intervención del artista Javier Riera llevada a cabo en los jardines del Túria en Valencia a finales de 2012.

La intervención consistió en la proyección de una serie de figuras geométricas sobre los árboles del parque, que se convirtieron así en soporte de estas efímeras esculturas lumínicas, visibles solamente al caer la noche.

Con estas proyecciones el artista se pregunta por nuestra relación con la naturaleza y nos hace partícipes a todos de la misma.

Según el propio artista, su trabajo se basa “en la relación entre paisaje y geometría, en una superposición de esos dos lenguajes visuales distintos pero de los que se desprende una armonía particular y reveladora”.

“Intento hacerme eco de algo que ya está en la naturaleza, que se ve representado o canalizado a través de las intervenciones geométricas, que tiene que ver con la captación de un orden. La materia que dibuja la geometría en este caso es algo tan intangible como la luz, lo que permite que esa relación geometría-paisaje adquiera una cualidad de resonancia sutil”.

Llevar su obra al espacio público permite al artista “un contacto directo con un público no especializado, que se enfrenta a la obra sin clasificarla como arte previamente, lo cual es muy interesante”.

“El público de un parque es tremendamente variado y se confronta con algo que está fuera de los cauces de mercado, que de alguna manera aparece en su recorrido cotidiano, espero que enriqueciendo su experiencia”.

“Este trabajo tiene un carácter meditativo, con el que intento producir cierto efecto beneficioso en el espectador. Espero que le lleve, en la medida de lo posible, a un lugar donde no ha estado antes o donde quizá si ha estado y sin saberlo desea volver. Que afecte a su conciencia sin proponerle un estado de perturbación narcisista sino un puente hacia algo positivo y necesario, que está dentro de nosotros y a lo que no siempre es fácil acceder”.

Alameda Llum de Javier Riera

El proyecto Alameda Llum es una iniciativa del espacio multicultural FONDO ARTE-AS

vía Alameda Llum : Arte Sostenible.

Página web de Javier Riera

Los jardines de México

Los Jardines de México es un proyecto de la artista Janelle Lynch compuesto por las series fotográficas La Fosa Común, Akna y El Jardín de Juegos. Con estas fotografias de gran formato de paisajes urbanos y rurales la artista explora aspectos y temas como la regeneración, la ausencia, el ciclo de la vida y la muerte, pero al mismo tiempo celebra la belleza y la vida.

La Fosa Común (2007) es una serie de fotografías de paisajes urbanos realizados en una fosa común de la Ciudad de México. En este trabajo Janelle analiza la mortalidad y la convivencia entre la vida y la muerte. Los árboles y la flora que habitan en esta fosa constituyen una armoniosa composición de plantas que se encuentran en distintas etapas del ciclo de vida, y sirvien a la artista como un laboratorio metafórico para su investigación sobre la pérdida, la muerte, y sobre la persistencia y la belleza de la vida.

Akna (2006) es una serie de retratos de troncos de árboles realizados en una reserva natural de Chiapas que explora el tema de la regeneración. Estos troncos cortados (o tocones), cubiertos de forma natural por helechos, musgos y orquídeas, actúan como estructura y soporte para otras plantas. De esta forma, a pesar de haber sido cortados, los tocones experimentan una nueva vida como fuente de alimento para otras formas de vida. Estas fotografías funcionan como metáforas de la perseverancia y la resistencia. “Akna”, que en maya significa “madre”, es la diosa de la fertilidad y el nacimiento, y hace referencia al papel que juegan los tocones en relación a la vida vegetal.

Por último, las imágenes de El Jardín de Juegos (2002-2003) muestran las reliquias de un parque infantil conquistado por la naturaleza y el abandono. Con estas imágenes Janelle investiga la representación de la pérdida, un concepto inherente (según Roland Barthes) al propio medio fotográfico.

La fotografía es un signo de ausencia, no presencia.

Más información: www.janellelynch.net

Fotografía, Comida, Arte y Diversión

A vueltas con el tema de la comida (que ya hemos tratado aquí y aquí) hoy os presentamos el trabajo de Matthew Carden, un fotógrafo de San Francisco que fundó junto a su mujer, la chef y estilista gastronómica Jennifer Carden, el estudio “350 Degrees” dedicado a la fotografía de comida.

Sus geniales series fotograficas como Spaghetti western o Small World, nos transportan a un delicioso mundo de ensueño en miniatura y nos invitan a reflexionar, desde un punto de vista lúdico y optimista, sobre la comida y sobre el acto de comer.

Mezclando el juego y la comida construyo mundos a partir de mis propios recuerdos, que observados con detenimiento, revelan divertidos e inesperados escenarios a veces extrañamente familiares.

Me gusta difuminar los límites de la realidad manipulando la escala de los personajes y de la comida.

Básicamente cuento historias, a veces divertidas, a veces más serias, pero siempre basadas en nuestra conexión universal con la comida.

No dejes de visitar su web www.matthewcarden.com

¡Que aproveche!

El acordeonador

En Arte Sostenible nos gusta mucho la música, y cuando ésta se combina con la tecnología y el reciclaje creativo pues no solo nos gusta si no que ¡nos encanta! y eso es lo que nos pasa con el acordeonador, un instrumento musical ideado por el artista argentino Bernardo Timerman (Obernardoo) que ¡nos encanta!.

Acordeon + Generador = Acordeonador

El acordeonador es un instrumento didáctico creado aprovechando el motor que poseen las compacteras para abrir y cerrar la bandeja de CD. Este se reutilizó como generador eléctrico, y acoplándolo a un circuito oscilador creado con un integrado 555, dio como resultado esta especie de acordeón electrónico manual.

La intención es que las personas tomen el objeto, lo investiguen, lo hagan sonar y descubran que no tiene ningún tipo de baterías, sino que el sonido sale a partir del ciclo de la transformación de la energía.

Permite reutilizar objetos en desuso o de descarte y estimula la reflexión acerca de la creación, la transformación y el uso de la energía.

¿Qué significa el bosque para mi?
Concurso de dibujo infantil

La Comisión Europea va a adoptar próximamente una nueva estrategia de la Unión Europea para los bosques. Por este motivo, la Comisión organiza un concurso sobre los bosques para los niños entre 6 y 10 años que viven y estudian en la UE.

El tema del concurso es “¿Qué significa el bosque para mí?”, de forma que el dibujo refleje la forma en que vivimos, jugamos, utilizamos o ayudamos a salvar los bosques que nos rodean

Los requisitos para poder participar en el concurso son:

tener entre 6 y 10 años
vivir en la Unión Europea
asistir al colegio en uno de los Estados miembros de la UE.
hacer un dibujo sobre el tema del concurso en una hoja A4, solo por uno de los lados.
(Si quieres, puedes escribir un título para tu dibujo (máximo 5 líneas)

Debes escribir tu nombre, apellido, edad, clase y dirección de tu colegio en el dorso de la hoja, junto con un e-mail de contacto y enviar tu dibujo, con una referencia al concurso de dibujo sobre los bosques, antes del 15 de Febrero de 2013, a la siguiente dirección:

Unidad H4 de la DG Agricultura y Desarrollo Rural
Comisión Europea
Rue de la Loi 130 3/150
1049 Bruselas
Bélgica

El ganador(a) recibirá como premio un nuevo iPad. El premio también incluye un viaje a Bruselas para el ganador(a) y sus padres o tutores para recibir el premio y un diploma.

Para más información:
http://ec.europa.eu/agriculture/forest-drawing-competition/index_es.htm

Vía: Mi espacio natural