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A Metro in Gaza

A Metro in Gaza

a METRO in Gaza” es una instalación multimedia del artista palestino Mohamed Abusal que plantea, de forma visual y efímera, transformar la situación caótica del transporte en la Franja de Gaza. 

A partir de los túneles que durante años han cavado los ciudadanos de la Franja, el artista imagina un sofisticado medio de transporte al que, mediante el uso de fotografía y otros recursos audiovisuales, añade una dimensión ensoñadora y artística.

A Metro in Gaza 03

Un pequeño grupo de familias beduinas que viven en la Franja de Gaza abrieron miles de túneles debajo de la barrera de separación entre Egipto y la Franja de Gaza que han usado tanto para importar productos de primera necesidad, como para el contrabando y el transporte de armas. Algunos de los túneles están bien construidos y con buenas infraestructuras, mientras que otros están en riesgo de fugas de aguas residuales.

En el proyecto “a METRO in Gaza“, el artista Mohamed Abusal trata de imaginar la transformación estos túneles en un sistema de metro subterráneo. De esta forma, las carreteras de la ciudad dejarían de estar atestadas y la calidad del aire contaminado se podría mejorar.

Pero Abusal  no es un ingeniero, por lo que utiliza su arte para crear una “solución visual”. Para ello diseñó un cartel gigante de metro que luego fotografió en 70 lugares diferentes en toda la ciudad, proyectando, de este modo, lo que sería un hipotético sistema de metro.

No está claro que la ciudad de Gaza esté realmente lista para un transporte público tan sofisticado. En primer lugar, es necesario hacer frente a las necesidades básicas de las que carecen, como la terrible escasez de agua y la salinidad que está afectando la agricultura de la región… Pero no hay absolutamente nada de malo en soñar, si esos sueños son de color verde.

Más información:
Página web de Mohamed Abusal: abusalmohamed.com

A Metro in Gaza

un Metro en Gaza

Fallen Fruit

fallen fruit en Arte Sostenible

Fallen Fruit es un colectivo artístico fundado en 2004 por los artistas David Burns, Matias Viegener y Austin Young que empezó cartografiando los árboles frutales que crecen en los espacios públicos de la ciudad de Los Ángeles aunque su campo de acción se ha ido ampliando para incluir también otros proyectos y happenings en varias ciudades de todo el mundo.

Fallen fruit en Arte Sostenible

Trabajando siempre con la fruta como un material y como medio de expresión, sus trabajos e intervenciones reinventan las forma de interactuar con los márgenes establecidos por el espacio urbano; así por ejemplo con la intervención “Public Fruit Jams” se invita a un público variopinto a hacer mermelada con su propia fruta o con la recolectada en los espacios públicos mediante una interesante experiencia de colaboración comunitaria. Con “Nocturnal Fruit Forages” realizan excursiones nocturnas por el barrio en busca de fruta explorando a la vez los límites del espacio público y privado. “Public Fruit Meditations” renegocia nuestra relación con nosotros mismos a través de visualizaciones guiadas y dinámicas de grupo.

El trabajo visual de Fallen Fruit incluye también series de fotografías, fondos de pantalla, vídeos y objetos cotidianos que exploran las implicaciones sociales y políticas de nuestra relación con la fruta y el mundo que nos rodea.

Fallen Fruit utiliza la fruta como un denominador común para cambiar nuestra forma de ver el mundo.

fallen fruit en Arte Sostenible

Fallen Fruit

Más información:

Página web de Fallen Fruit fallenfruit.org

David Burns co-fundador y artista www.davidburnsprojects.com

Austin Young co-fundador y artista www.austinyoung.com

vía Fallen Fruit : Arte Sostenible.

Fog Catcher de Nami Yamamoto

Fog Catcher

Fog Catcher es un proyecto de la artista Nami Yamamoto realizado para la exposición “Natural Discourse” del Jardín botánico de la Universidad de California.
La intervención “site-specific” consiste en una serie de redes anudadas a mano que colocadas en los bosques de secuoyas capturan la humedad ambiente y la transforman en agua.

Fog Catcher

Según una leyenda japonesa el inmortal mago “Sennin” hacía milagros gracias únicamente a la niebla que cubría las montañas. Una leyenda similar dice que las secuoyas californianas obtienen gran parte del agua que necesitan para vivir de la niebla que envuelve las montañas.
Nami Yamamoto explora esta poética analogía con su intervención Fog Catcher, imitando por un lado el mecanismo de las secuoyas para captar agua y por otro creando una imaginería que hace alusión a la leyenda del mago “Sennin”. Partiendo de unos rudimentarios dispositivos ya existentes para capturar el agua en los ambientes húmedos, y traduciéndolos a una experiencia estética, la artista consigue atraer la atención del espectador sobre este fenómeno tan efímero.

Fog Catcher

Esta obra formó parte de la exposición colectiva “Natural Discourse” organizada por el Jardín Botánico de la Universidad de California como reclamo para atraer e involucrar nuevos visitantes a la institución, y como invitación a reflexionar sobre el significado de los jardines botánicos y sobre el lugar del arte en nuestra sociedad.

Fog Catcher

Fog Catcher

Más información:
Página web de la artista Nami Yamamoto

Fotografía: Michael Friel

Arca, de Chiara Sgaramella

Arca de Chiara Sgaramella

Arca es un proyecto de la artista Chiara Sgaramella realizado para la exposición de arte ecológico Ecoismi 2013

El proyecto pretende celebrar la biodiversidad mediante la construcción de un arca. La propuesta consta de una escultura realizada en el parque de la Isla Borromeo y se inspira en las formas de una embarcación. La estructura se compone de dos partes simétricas en madera reciclada. Entre las dos mitades, se ha dejado un espacio vacío a través del cual el público puede entrar en la obra, explorando su interior. En las tablas que cubren el esqueleto de la pieza se han grabado los nombres científicos de las especies endémicas en peligro de extinción. Los espacios vacíos entre las tablas representan las especies que ya se extinguieron, subrayando la fragilidad de los equilibrios naturales y la urgencia de proteger las diferentes formas de vida que habitan el planeta.

Arca de Chiara Sgaramella

La erosión de la biodiversidad causada por el impacto de las actividades antrópicas representa un grave problema ambiental al que nos enfrentamos en la actualidad. La diversidad biológica es esencial para la preservación de los ecosistemas de los cuales la humanidad depende para sobrevivir.

La obra de Chiara Sgaramella integra la poesía visual y el arte en la naturaleza, y tal y como la propia artista explica: “mi práctica artística indaga desde un prisma multidisciplinar la relación entre sujeto y ecosistema. Frente a la crisis ecológica actual enraizada en la errónea representación del ser humano como entidad independiente de la naturaleza, el trabajo personal pretende contribuir a revitalizar los lazos empáticos con el hábitat natural. A través de metáforas de regeneración, biomímesis e interdependencia, los proyectos que aquí se presentan facilitan una interacción anímica con la biosfera y proponen un acercamiento al entorno natural fundamentado en el respeto y en la escucha sistémica”.

Arca de Chiara Sgaramella

Arca de Chiara Sgaramella

Más información:
Página web de Chiara Sgaramella
Ecoismi

Selección Natural

Selección Natural de Ignacio González

Selección Natural es un proyecto fotográfico del artista Ignacio Evangelista. La serie está formada por fotografías tomadas en modernos parques zoológicos situados en diferentes ciudades europeas, en donde los animales se encuentran en espacios que intentan imitar sus hábitat originales.

La escenificación de estos espacios responde, de alguna manera, a una idea preconcebida por los humanos, especialmente por el hombre blanco occidental, de lo que es la naturaleza en estado puro.

Selección Natural de Ignacio González

En otras ocasiones, sobre todo cuando se trata de grupos numerosos de animales, estos lugares obedecen a una organización puramente racional, regida por criterios de orden, limpieza, clasificación y enumeración de los miembros del grupo.

La inclusión de los animales en estos jardines zoológicos que bien imitan su hábitat natural, bien responden a una racionalización extrema del espacio, generan imágenes extrañas, inquietantes y contradictorias. El artificio de los “territorios” creados para ellos contrasta poderosamente con lo que de natural y salvaje tienen los animales.

Selección Natural de Ignacio González

“Los zoos públicos aparecieron al inicio del periodo que vería desaparecer a los animales de la vida cotidiana. Esos zoos, adonde va la gente para encontrarse con los animales, para observarlos, para verlos, son, en realidad, monumentos a la imposibilidad de tales encuentros. Los zoos modernos constituyen el epitafio a una relación que era tan antigua como el hombre. No suelen verse desde esta perspectiva porque nadie cuestiona adecuadamente su existencia.” John Berger - “Por qué miramos a los animales”

En la obra de Ignacio Evangelista se muestra la relación, en ocasiones contradictoria, entre lo natural y lo artificial, entre lo animado y lo inanimado. Y aunque las diferentes series que conforman su interesante obra fotográfica pueden ser formalmente muy distintas entre sí, subyace siempre un tema común en todas ellas, relacionado con la huella de lo humano.

Selección Natural de Ignacio González

Selección Natural

Más información sobre Ignacio Evangelista:

página web: www.ignacioevangelista.com

facebook: https://www.facebook.com/ignacio.evangelista.photo

twitter: @ignaevan

Instant Village de Simona Rota

Instant Village de Simona Rota

Instant Village es una serie fotográfica de la artista Simona Rota que documenta los excesos urbanos llevados a cabo en la isla de Tenerife durante las últimas décadas como consecuencia del voraz mercado inmobiliario.

El proyecto Instant Village surge de un sentimiento de impotente decepción y malestar hacia la forma en la que se ha tratado el territorio en las islas canarias. “Con “Instant Village” me propongo aportar estímulos visuales que ayuden a la reflexión sobre lo que se hizo mal en el urbanismo español contemporáneo. Es un catálogo fotográfico, proyectado en tres fases, de las tipologías de ocupación en el territorio de las Islas Canarias”

Instant Village de Simona Rota

“Elijo fotografía de arquitectura en la forma en que, para mí, la arquitectura constituye una herramienta visual adecuada para reflexionar sobre el uso del territorio, la configuración del paisaje construido, el contexto artificial, la construcción de imágenes y la expresión de poder.”

la serie “Instant Village” es una metáfora de las infraestructuras abandonadas que habitan en las Islas Canarias, como fantasmas de un futuro que nunca fue.

Más información: www.simonarota.es

Instant Village de Simona Rota

instant village

Ataskoa de Maider López

Ataskoa de Maider López

Ataskoa es un proyecto de la artista Maider López realizado en Intza, Navarra en septiembre de 2005. El proyecto consistió en una convocatoria pública de carácter festivo para recrear un atasco en un lugar en el que habitualmente no lo hay.

Durante cuatro horas los vehículos bloquearon la carretera del monte Aralar y formaron una colorida y destellante guirnalda al pie de los montes. Ataskoa se escenificó en un entorno natural, activando, enfatizando y cuestionando el paisaje. Una situación cotidiana descontextualizada que provoca una nueva lectura y una reflexión sobre el uso del coche.

Maider López utiliza a menudo en su obra la participación de ciudadanos para crear divertidas y significativas “coreografías” que conforman conjuntos escultórico-pictórico-performativos y generan una experiencia coral de la obra. Aquí, los protagonistas son ciudadanos que interaccionan voluntaria o involuntariamente con el paisaje urbano o rural. Mediante convocatorias divulgadas en la prensa o distribuidas por carta, las situaciones aparentemente más absurdas son impulsadas por una lógica subjetiva y llena de humor que establece nuevos juegos visuales con el contexto, a la vez que desvela las potencialidades lúdicas y críticas de la participación colectiva.

Ataskoa de Maider López

El espacio público se convierte en una especie de soporte modificable, visual, dinámica y simbólicamente, la artista juega con los aspectos formales de dicho soporte a la vez que potencia sus funciones de encuentro y socialización, y lo convierte así en plataforma de celebración colectiva. Este tipo de proyectos tan participativos poseen un gran potencial interpretativo.

Para Maider López se trata, en última instancia, de crear imágenes nuevas, imágenes que tienen la capacidad de cuestionar los factores sociales en el arte, el papel del público en el espacio público y la relación entre lo colectivo y lo individual. Sus proyectos promueven la interacción y la comunicación. En su obra es fundamental la comunicación entre artistas y centros de arte, entre gobiernos y grupos sociales y, finalmente, entre los propios individuos.

Ataskoa de Maider López

Ataskoa

Las esculturas de basura de Aurora Robson

Escultura de basura de Aurora Robson

Las instalaciones y esculturas de Aurora Robson están realizadas con envases de plástico encontrados en la basura que la artista corta y pinta de forma individualizada en función de su grosor o su forma. Estos fragmentos de plástico son posteriormente aerografiados con tintes no tóxicos y unidos entre sí sin usar pegamento, creando esculturas de formas orgánicas que a veces recuerdan a criaturas abisales, plantas o microorganismos…

Aurora Robson lleva más de veinte años trabajando con basura y desechos, pero es en su obra más reciente donde muestra un trabajo más complejo, intrincado, y sorprendente, llegando a usar en alguna de sus instalaciones más de 20000 botellas de plástico. ”Me gusta el reto de trabajar con basura. Es una experiencia totalmente diferente a la de ir a la tienda de productos de bellas artes y elegir los materiales con los que quieres trabajar”.

Escultura de basura de Aurora Robson

Sus complejas y delicadas instalaciones atraen y repelen por igual. Las llamativas formas y colores de estas esculturas atraen la atención del espectador, pero una vez éste es consciente del material con el que están hechas, ese interés inicial se convierte en rechazo. Precisamente esa es la reacción que ella espera del público que contempla su obra.

Algunos objetos de plástico y en particular algunos envases son usados solo un momento, a veces tan solo unos segundos, no son biodegradables y pueden tardar miles de años en desaparecer. Aunque el trabajo de Aurora Robson es más sugerente que dogmático, la artista quiere que su obra sirva para ayudar a la gente a reconocer el poder que tienen como consumidores y como ciudadanos; concienciar sobre el uso y abuso de estos envases de plástico.

Escultura de basura de Aurora Robson

En ocasiones la artista también realiza instalaciones por encargo para grandes empresas multinacionales que quieren concienciar a sus propios trabajadores y que ven de esta manera cómo la basura generada por su actividad es convertida en impresionantes obras de arte. ”Me siento más cómoda transformando que produciendo… No creo que el planeta necesite más objetos, ni siquiera si son obras de arte”

Pero Aurora Robson no es solo una artista, es también una activista medioambiental fundadora del Proyecto Vortex; un colectivo internacional de artistas, diseñadores y arquitectos que trabajan con los desechos plásticos obtenidos del “Trash Vortex” la enorme isla artificial formada en el océano pacífico por toneladas de plástico y basura arrastradas por las corrientes marinas. Más que reciclar, la finalidad de este colectivo es interrumpir el flujo del plástico en la basura, de forma que esos envases no vuelvan a parar a la basura y no necesiten ser reciclados mediante costosos procedimientos.

“El arte refleja unos valores, y en este momento estos valores tienen que cambiar. El arte es una forma de prever el futuro, y los artistas deberían ser visionarios. De lo contrario el arte no es más que una lujosa frivolidad”

Aurora Robson, A Practice

Más información:
Página web de Aurora Robson: www.aurorarobson.com

 

El jardin encendido

El jardín encendido de Alfredo Omaña

El jardín encendido es una intervención que el artista Alfredo Omaña llevó a cabo en el hall de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de León.
El jardín encendido forma parte del proyecto El Hall Transformado; un proyecto que comisariado por Roberto Castrillo, interviene cada año el hall de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de León convirtiéndolo durante un mes en un interesante contenedor de propuestas artísticas.

El jardín encendido de Alfredo Omaña

Para esta intervención el artista Alfredo Omaña cubrió el hall con un manto de césped natural de unos 300 m2 sobre el que escribió la palabra NO con la propia hierba cortada. La instalación estaba acompañada por una “banda sonora” con cantos de diferentes pájaros como el ruiseñor, la alondra o el mirlo.

El jardín encendido de Alfredo Omaña

Según el propio artista “formalmente lo que se ha hecho es cubrir con hierba todo el suelo del hall, y ya que la particularidad de este espacio permite contemplar y recorrer perimetralmente el trabajo desde los pisos superiores, nos lleva a tener una perspectiva aérea o vista de pájaro del conjunto y es entonces cuando podemos ver que en el centro de la instalación aparece escrita con hierba segada la palabra ON. Este recorrido perimetral hace que dependiendo del lugar en el que te sitúes puedes leer ON o NO”

El jardín encendido de Alfredo Omaña

“La introducción en el interior de un edificio arquitectónico concebido como abstracción funcionalista de un elemento material como el césped, ajeno a su lógica estructural y operativa y asociado cotidianamente con el perímetro exterior a sus cerramientos, modifica sustancialmente los paradigmas perceptivos y las respuestas emocionales proyectadas hacia el espacio representado en su estado habitual”, explica Roberto Castrillo

“La arquitectura se vuelve efímeramente transparente, eliminando la contraposición entre espacio interior y espacio exterior. El aislamiento proporcionado por los cerramientos arquitectónicos queda subvertido y el espacio de contemplación que suele ser el paisaje pasa a formar parte del discurso interno del edificio”.

Un discurso cargado de contenido poético.

Una naturaleza en lucha por recuperar su terreno más allá de los límites establecidos.

Página web de Alfredo Omaña: www.alomana.blogspot.com

El jardín encendido de Alfredo Omaña

El jardín encendido de Alfredo Omaña

El artista Alfredo Omaña quiere agradecer la colaboración de las siguientes personas en la realización de esta intervención: el comisario del proyecto “El hall Transformado” Roberto Castrillo, el grupo de alumnos de historia del arte: Jairo Fernández Estrada, Alba Martín Pérez, Sonia Martínez Fernández, Sylvia Irais Salgado Castañeda, Carlos González Iscar, Che Lu-Quing y María Joao Patricio Martinho autora de las fotografías. Los Profesores Joaquín García Nistal, Vanesa Jimeno Guerra. La Decana de la Facultad de Filosofía y Letras, María Victoria Herráez Ortega. La universidad de León.

vía El jardin encendido : Arte Sostenible.

Germinaciones, diálogos sobre arte y ecología

Germinaciones

El próximo 18 de abril comienza el taller Germinaciones, diálogos sobre arte y ecología. Se desarrollará en la Facultad de Bellas Artes de la UPV y en el Jardín Botánico de Valencia.

Durante 3 días tendrás la oportunidad de dialogar junto a Jose Albelda, Chiara Sgaramella, Maite Cháfer, José Luis Porcuna, Isabel Mateu, Tonia Raquejo, Jose María Parreño, Pilar Crespo, Sara Vilar y participar en el taller Creativo “Procesos de creación en el paisaje a partir de la colaboración con la comunidad biótica” que impartirá Lucía Loren.

Inscripciones online hasta el 17 de abril en: www.cfp.upv.es

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