Entradas archivadas para Cultura

Territorios Abiertos

Territorios abiertos: México a partir de los años cincuenta experimenta una “estabilidad” que le permite desbordar la ciudad de los límites contenidos inicialmente, este crecimiento inicia desde tiempos del gobierno del General Porfirio Díaz, hasta continuar a un desquiciante crecimiento demográfico que aún hoy sorprende. Dejando territorios inacabados y problemáticos.
De ahí que utilice “Territorios abiertos” no sólo por una cuestión geográfica, sino también conceptual.

El arte como archivo: Por la gran herramienta que resulta los referentes visuales que perduran y rompen la barrera temporal y espacial del momento en que surgieron generando la posibilidad de recurrir a ellos para hacer reflexiones constantes y actuales, cosa que trataré de conseguir durante la conferencia.

Polución: Un juego de palabras y sentidos, polución hace referencia a la contaminación intensa, principalmente del agua o aire debido a procesos industriales. Yo lo llevo al terreno de la contaminación generada por años de malas administraciones, crisis y corrupción.

Territorios abiertos. Conferencia de Mónica Galván. El arte como archivo de la polución social, cultural y política en México.

miércoles 26 de noviembre a las 19:00
Asociación Arte Sostenible.
Carrer del Francolí, 13-15, 08006 Barcelona, Spain
Evento en Facebook: Territorios Abiertos

Territorios abiertos blog

 

Jimmy, Dakar soul

El crowdfunding o financiación colectiva es, según la wikipedia, “un tipo de cooperación colectiva llevada a cabo por personas que realizan una red para conseguir dinero u otros recursos, que suele utilizar Internet para financiar esfuerzos e iniciativas de otras personas u organizaciones”.

En otras palabras, el crowdfunding es una forma de recaudar dinero para cualquier tipo de proyecto que se sirve de las redes sociales para alcanzar una mayor difusión y que ofrece recompensas a los donantes en función de la cantidad aportada.

Por poner tan solo un ejemplo, en su bitácora obamaworld.es el periodista Jordi Pérez Colomé desglosa y analiza los ingresos que obtuvo el pasado año con diferentes formas de financiación, siendo el crowdfunding el que mejor le funcionó a la hora de conseguir fondos para su viaje a Estados Unidos para cubrir la campaña electoral.

Como podemos imaginar, el crowdfunding se vislumbra así como un excelente recurso para artistas de todo tipo pues ayuda a salvar o al menos minimizar el obstáculo de la falta de medios económicos a la hora de afrontar la producción de su obra.

En Arte Sostenible este mes tenemos la mirada puesta en África, con el interesante y optimista proyecto del artista Ruganzu Bruno Tusingwire, pero en África también se encuentran David y Marina que gracias al crowdfunding esperan poder contar la, también interesante y optimista, historia de Jimmy.

Jimmy, Dakar soul

 

Jimmy, Dakar Soul es un proyecto documental que nos acerca a la vida y obra del músico senegalés Pape Niang.

Ciego de nacimiento, este músico del barrio de Ouakam, enamorado tanto del soul y del blues como de la salsa o el rock&roll, formó parte importante de la escena dakaroise en los años 70. Miembro de bandas como la Xalam, Kad Orchestra, o la Orchestra Baobab, compartió escena junto a músicos de la talla de Prince Cissokho, Ismael Lô, o Youssou N’dour, hoy todos conocidos internacionalmente.

En la actualidad Pape continúa con su batalla personal: luchar por la integración de los discapacitados en la sociedad senegalesa.

Batería, armonicista y cantante, un artista excepcional que al igual que hace 30 años, sigue alzando su voz y haciéndose escuchar, con la misma energía y fuerza que entonces.

Jimmy, Dakar soul

 

La idea de realizar este documental surge a raíz de un encuentro casual durante el Festival de Jazz de Saint Louis de Senegal.

Conocíamos a los grandes músicos africanos como Miriam Makeba, Salif Keita, Ali Farka Touré, Yossou N’dour, Tiken Jah Fakoly o Alpha Blondi, entre tantos otros, pero nunca habíamos oído hablar de Pape Niang ni conocíamos nada de su música.

Pape Niang, Jimmy para los amigos, iba a resultar un descubrimiento para nosotros.

David y Marina se encuentran en la recta final de su campaña de financiación colectiva. Si quieres que te cuenten la historia de Jimmy pásate por la web del proyecto y muéstrales tu apoyo.

Página web del proyecto Jimmy, Dakar soul en Verkami

Salamandras y Salamandros

Tras su paso por la Seminci,  Salamandras y Salamandros, el primer largometraje documental de Ramón Margareto -Premio Goya 2011 al Mejor Cortometraje Documental-, llega a las salas comerciales.

Realizado con un presupuesto global de 10.000 Euros, Salamandras y Salamandros supone una exaltación del arte como valor de superación personal y pretende constituir un tributo a las escuelas de disciplinas plásticas, que desarrollan su labor en unos momentos especialmente difíciles para ellas después de que el sector de la cultura haya sufrido en estos últimos meses un recorte presupuestario cercano al 25%, y se vea sometido a drásticos ajustes tributarios.

En la película participan 60 pintores de 14 nacionalidades diferentes, con edades comprendidas entre los 4 y los 82 años. Todos explican cuál es el sentido del arte para ellos y muestran el resultado de su obra frente a la cámara: un total de 300 pinturas, que a partir de ahora serán expuestas en diferentes galerías de arte, a través de un calendario de exposiciones itinerante al cual se han adherido hasta el momento los centros artísticos Ángeles Penche y Flora María Art Gallery, de Madrid. Fundación Díaz Caneja, de Palencia y Palacio de las Salinas, de Valladolid.

Salamandras y Salamandros se exhibirá regularmente en los cines Dos de Mayo de Móstoles (Avenida Dos de Mayo, 27) y Teatro Cine Ortega de Palencia (C/ Colón, 2).

Tráiler Salamandras y Salamandros

Espai Cultural Francolí

Situado en el barrio barcelonés del Farró, Espai Cultural Francolí es un centro multidisciplinar dedicado el arte actual. Una bonita casa centenaria alberga sus instalaciones en un piso principal que aún conserva el estilo original modernista de la finca y que además tiene acceso a un frondoso jardín interior de manzana.

Espai Cultural Francolí

Su fundadora, Teresa Rius, concibió este espacio como un lugar de encuentro para los amantes del arte donde además de poder contemplar obras artísticas en las exposiciones que se programan anualmente, se trabaja en la promoción de numerosos artistas y se organizan todo tipo de actividades.

Desde el año de su inauguración, en 2006, se han organizado talleres, conferencias y cursos de diferentes disciplinas artísticas y literarias como fotografía, dibujo, escenografía, lectura, historia, música, erotismo, psicología y hasta catas de vino temáticas. Próximamente, entre el 5 y el 19 de noviembre, tendrá lugar el curso “Comisariado y gestión de exposiciones” que imparte nuestra asociación, y con el que comenzaremos nuestra andadura en este espacio abierto a todos los públicos.

Esperamos veros por aquí.

Espai Cultural Francolí
Espai Cultural Francolí

Ocupa los museos

Ocupa los museos

El arte y la cultura forman parte del bien común.

El arte no es un artículo de lujo.

Sin embargo, muchos museos e instituciones culturales están actualmente dirigidas por y para el 1%. Los museos operan cada vez más como un negocio lucrativo, y son los intereses económicos los que dictan qué arte es visible, exitoso y deseable; en resumen, el dinero y el poder son los que definen qué es arte y qué no lo es.

Ocupa los museos busca ocupar nuestras galerías de arte, museos e instituciones culturales con las ideas, los valores, la historia y el arte del 99%. Al igual que nuestro gobierno, que ya no representa al pueblo, los museos se han vendido al mejor postor.

Occupy Museums

Occupy Museums es un grupo de acción directa dentro del movimiento Occupy Wall Street. Se centra en los problemas más evidentes dentro del actual sistema del arte y plantea alternativas.

En Occupy Museums estamos dando los pasos hacia un futuro en el que nuestros bienes culturales comunes sean verdaderamente compartidos en lugar de ser acumulados por unos pocos.

A medio camino entre los movimientos de protesta y la guerrilla gallery, Occupy Museums ha realizado numerosas intervenciones en diversos entornos:

Desde el llamamiento al libre intercambio de arte en la calle que realizaron con motivo del Armory Show o la ocupación de la Ópera, el Lincoln Center y el MOMA, todos ellos en Nueva York, hasta la celebración de una ceremonia por la restitución del arte al procomún en el mismísimo Altar de Pérgamo de Berlín, símbolo del desplazamiento y ocupación de la cultura por parte de la élite en el poder.

Este momento en el que parece que los ciudadanos tomamos conciencia y nos organizamos para reclamar la soberanía arrebatada por el 1% es un buen momento para gritar también que el arte y la cultura pertenece al 99%.

Ocupa los museos es una protesta en voz alta sobre la corrupción y la injusticia en las instituciones de arte y cultura.

¡Ocupa los museos!

Occupy Museums

Ocupa el MOMA

Más información: occupymuseums.org

vía Ocupa los museos : Arte Sostenible.

eme3

Durante estos días se celebra en Barcelona eme3

eme3 arquitectura expandida
Arquitectura Expandida

Eme3 nace en el 1999 como respuesta a la necesidad de encontrar espacios para arquitectos, urbanistas y creativos de diferentes disciplinas, en los que poder presentar proyectos innovadores, poco convencionales y que escapan de las tendencias mayoritarias en la construcción y/o planificación urbana. Es precisamente el concepto volumétrico, la unidad de medida en metros cúbicos, la que le dio el nombre y lo ha mantenido hasta el día de hoy.

Si bien los parámetros y contexto han cambiado desde entonces, eme3 sigue funcionando como oportunidad y plataforma para la expresión y presentación de ideas. Lejos de dogmas y convencionalismos, eme3 se ha perfilado como un foro de interacción y lanzadera de propuestas que retrospectivamente pueden catalogarse como arquitectura de vanguardia.

Eme3 reúne, desde la arquitectura, conjugando el diseño y el arte, a los nuevos creadores de arquitecturas emergentes en un espacio de experimentación, exposición y debate. Eme3 genera proyectos que se materializan en diferentes formatos (instalaciones, proyectos urbanos, talleres, conferencias, debates y proyecciones audiovisuales) y localizaciones, a través de una programación contínua, eme3_on, y una cita de carácter anual, eme3_festival.

Eme3, a modo de think-tank, es un intento de brindar al creador un lugar físico e interactivo en el que expresar sus ideas, a la vez que un espacio de encuentro para el visitante en el que descubrir una arquitectura diferente pero a la vez próxima a la realidad y problemáticas actuales.

Todo el material generando durante y para eme3 queda registrado y está disponible a través de la web y el catálogo de cada edición.

eme3 institute of placemaking

The Institute of Placemaking

vía CONCEPTO | eme3.

Entretejas

Entretejas

Entretejas es un proyecto ciudadano que plantea la utilización de azoteas como espacios culturales. Surge con la intención de redefinir, reivindicar y desarrollar nuevos entornos de exhibición cultural, creando una programación cultural coordinada e innovadora y abierta a nuevas incorporaciones. Es un proyecto apoyado por el CICUS y la Casa de la Provincia y producido por lamatraka.

El proyecto está dividido en dos programas paralelos pero independientes entre sí: Entretejas y Redetejas.

Entretejas plantea una programación cultural específica para azoteas de instituciones públicas o entidades privadas.

Redetejas, es una red ciudadana en el que todos aquellos interesados en participar pueden hacerlo de forma gratuita y libre abriendo las puertas de sus azoteas particulares.

Con estas dos iniciativas, no sólo se trata de conseguir una programación estable de carácter mensual y ser un referente de oferta cultural andaluza, sino que se quiere generar un debate activo en torno a programación cultural, legalidad de uso de azoteas para fines comunitarios y participación activa de la ciudadanía en proyectos culturales.

Entretejas y Redetejas tratan de poner en marcha una oferta amplia de contenidos culturales de pequeño formato y son iniciativas que fomentan, desarrollan y promueven procesos creativos y de vinculación ciudadana.

Asómate.

vía Entretejas.

Arte de Guerrilla

Interesante lectura extraída de la web del Festival BAC.

arte de guerrilla

Cuando el arte es entendido como una especie de economía que obedece a las reglas del posfordismo siendo un espectáculo consumista y mediático, su discurso se convierte simplemente en publicidad. Como el tiburón y las vacas en formol, el arte no es más que un producto. Afortunadamente, aún existen formas de resistencia que generan conciencia y que tienen como única razón de existencia la acción social, punto de unión colectiva frente a la influencia del mercado y la obediencia a la cultura del “establishment”. Algunos teóricos y críticos del arte como Danto, reflexionaron a inicios de los años 80, sobre el fin del arte y el nacimiento de nuevas concepciones artísticas con infinidad de caminos y nuevos discursos para su producción. Danto afirma que el arte contemporáneo ha conseguido, y este es uno de sus mayores logros, la libertad del artista para transmitir ideas y hacer crítica política y social.En esta misma línea se encuentra el arte de guerrilla yendo más allá de la pura forma artística, pues la trasciende conteniendo siempre un mensaje social y activo con la voluntad de despertar la conciencia crítica del espectador frente a las contradicciones y los conflictos creados por el sistema. Así, consigue establecer una simbiosis entre la parte lúdica del arte y la reflexión. Todo y su carácter subversivo y revolucionario utiliza sin embargo, las tácticas más irónicas y sutiles aunque su mensaje no está ausente de cierta radicalidad.Por otro lado, cabe destacar el papel que siempre han tenido las mujeres en la concienciación social. Un ejemplo son las Guerrilla Girls, grupo artístico nacido en Nueva York en el año 1984, pioneras del arte de guerrilla y del activismo feminista. Desde sus inicios denunciaron las discriminaciones en el mundo del arte por razones de género y de raza incidiendo en un concepto global de crítica cultural. Después, extendieron sus críticas al mundo del cine, especialmente al estereotipo holywoodiense, a la cultura popular y a los clichés de género. Transmitían su ironía y humor apareciendo frente al público con máscaras de gorila para mantener su anonimato. Actualmente, las Guerrilla Girls, imitadas en otros países, se han disuelto abriendo paso a nuevos grupos de seguidoras que denuncian la discriminación de la mujer en las artes escénicas y visuales.

Uno de los ámbitos más atacados por el arte de guerrilla es el de la publicidad, que utiliza el bombardeo continuo con imágenes y mensajes intentando crear deseos y necesidades, como ya advertía el filósofo Guy Debord en “la sociedad del espectáculo”, un mundo donde todo es apariencia. O como afirma Hal Foster, perteneciente a otra generación de críticos potentes, en su visión de la antiestética, la sociedad vive sometida a la influencia del diseño “todo imagen, nada de interioridad”. Como respuesta al márqueting tradicional, el arte de guerrilla hace buen uso del “street art” con mucha crítica social e irreverencia. El espacio urbano ha sido siempre el más aprovechado por los artistas de guerrilla. En la calle plasman la insatisfacción social y el arte se vuelve un revulsivo. Es la máxima expresión de la creatividad surgida de las entrañas, la reacción popular ante aquello que ahoga a la sociedad. Uno de los máximos exponentes en este campo es Banksy, artista muy reivindicativo creador de grafitis de sátira política, cultural y moral.

En fotografía, el arte de guerrilla ha encontrado un gran filón. Con la aparición de las cámaras digitales, con un coste mínimo, se facilita el medio para ser creativo. El hecho de poder borrar y originar imágenes infinitamente y la inmediatez para difundirlas a través de diversas redes sociales que van en aumento, ha permitido que los ciudadanos pasen de ser sujetos pasivos a ser elementos activos, favoreciendo la crítica, interviniendo y creando nuevos discursos utilizando la imagen como forma de denuncia. Un ejemplo de este carácter reivindicativo popular y espontáneo, han sido ciertos colectivos como Yo Mango o The Yes Men, que utilizando los pasadizos de algunas facultades para darse a conocer, se han convertido en uno de los referentes en cuanto a sabotaje cultural. No dudan en atacar directamente las grandes corporaciones multinacionales llegando a ser ”despertadores” de conciencias e impulsores de protestas sociales que tienen como objetivo común la lucha contra la precariedad y las injusticias sociales y económicas.

En definitiva, el arte de guerrilla es más que arte y ha sido capaz de establecer un nuevo canon, un nuevo lenguaje donde el arte deja de ser un misterio para entrar en la cotidianidad, en la vida activa erigiéndose como movimiento social alternativo a las formas tradicionales, una contracultura que tiene la capacidad de crear estrategias para convulsionar y poner en entredicho aspectos de la sociedad actual. Como dice un proverbio americano, “la respuesta más rápida es la acción”.

vía BAC Festival 2011 » Bac 2011 – Arte de Guerrilla » BAC Festival 2011.

The Plant Journal

Siguiendo con la mirada puesta en la nueva botánica, hoy os hablamos de la revista The Plant Journal que además de incluir contenidos botánicos de una forma sencilla, personal y cercana, ofrece a los entusiastas de las plantas una nueva mirada sobre el mundo vegetal presentando las obras de creadores y artistas que también se apasionan por ellas.

Como observador curioso de las plantas y otros tipos de vegetaciones, la revista incluye un monográfico sobre una planta específica y reúne a fotógrafos, ilustradores, diseñadores, músicos, escritores y artistas visuales, tanto establecidos como emergentes, para compartir con The Plant Journal sus percepciones y experiencias alrededor de las plantas.

Fotos: otrascosas de Villarosàs

Botánica. After Humboldt

Hasta el próximo 16 de septiembre se puede visitar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid la exposición Botánica. After Humboldt.

A partir del momento en el que el primer estudioso traspasa la planta a su representación, en vez de secarla o atraparla en el tiempo como a una mariposa muerta, la dibuja, la reproduce, se da un paso de imposible retroceso. A partir de ahí se sentaran las pautas para la evolución no sólo de los géneros del arte, sino para la interpretación de la naturaleza.

La exposición recoge la mirada actual, original y diversa de seis artistas contemporáneso sobre la ciencia de la botánica.

Manel Armengol, Alberto Baraya, Joan Fontcuberta, Juan Carlos Martínez, Rafael Navarro y Juan Urrios son los artistas que componen esta exposición comisariada por Rosa Olivares

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